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]]>Uwabaki
Please tell the bands coming to Japan to bring their own "uwabaki (shoes only for indoor)" for performance. Otherwise they will sometimes be asked to perform with slippers on or only with socks on.
*** qte from wikipedia ***
Uwabaki, are a type of Japanese slippers worn indoors at home, school or certain companies and public buildings where street shoes are prohibited.
Japanese culture mandates that people should remove their shoes when entering homes and other buildings, especially where the floors may have rugs, polished wood floors, or tatami (grass mats). Uwabaki are light, flexible shoes which are easy to slip on and off, designated for indoor use. As they are not generally worn outside, the soles are kept clean, and thus cleaning and maintenance of the building's floors are kept to a minimum.
At the entrance of every school, from preschool to college, there is an assigned locker for each student to put his or her uwabaki. A student's grade level is often indicated by a colored stripe across the toes; the body color of the slipper is always white.
*** unqte ***
Japanese Culture: Why Should You Remove Your Shoes?
July 16th, 2020
Recently hygiene has been a highly discussed topic all around the world in the wake of COVID-19. Things like washing one's hands and wearing a mask have been in the spotlight more than ever before. But when it comes to hygiene in cultures in general, Japan is well-known for various practices that might surprise.
If you've visited Japan, been in a Japanese home, or establishment, you may have noticed the custom of taking off shoes before entering. This is a custom practiced in Japanese homes, accommodations, restaurants, temples, and even some hospitals and hotels. Removing your shoes indoors is a deeply rooted custom of Japanese culture, but why is this? Let's dive into this custom of hygiene, which is only one of such well-practiced customs in Japan.
Respect in Japanese Culture
Japanese culture is a unique aspect of the country, and like most places, has its own history and customs. This can be seen in the importance placed on social behavior. No matter how technologically advanced this country has become, some of its main customs, including taking off your shoes at the door is still very much in use.
Taking off your shoes at the door shows you have respect for the place you are entering. Whether it is a home, a hotel, a restaurant, an inn, or even a hospital, taking off your shoes when you see a tatami mat near the door is necessary. This shows your respect for the place you are entering and also clearly delineates the outside and inside.
Cleanliness in Japanese culture
It is a great honor to be invited into the home of a Japanese person. People in Japan hold cleanliness in high regard, taking great care in keeping an immaculate home. This means that their home should not be soiled by the dirt on your shoes. So it is customary to take off your shoes and usually wear the provided slippers.
In more informal situations, you may just walk around in socks, like in a Japanese home. In places of business, it's more than likely to have slippers provided to you to feel comfortable and provide more of a formal atmosphere.
Respect your feet
Shoes, especially Western-style shoes, can be very restrictive to the feet. The practice of removing your shoes inside a home on one level is simply an act of respecting and nurturing your feet. Particularly at places of relaxation, like inns, hotels, and spas in Japan, you'll find the practice in keeping with the atmosphere, allowing your feet to become more comfortable and free.
Japanese temples
When it comes to Japanese temples and shrines, you can imagine this rule is strictly enforced when holding an event inside one of these unique venues. As of now, live events with a large number of attendees are avoided because of the situation surrounding COVID-19. However, it is something to keep in mind for the near future when travel to Japan becomes possible again, or when you are looking into holding an event at a Japanese temple. A place of worship is sacred in Japan, so taking your shoes off before entering is imperative. When you enter any Japanese temple, you'll find shelves by the doors for leaving your footwear, or tote bags for you to carry your shoes with you.
Per Japanese culture and tradition, it is not uncommon to have an event held at a temple, a shrine or even a historical site. If this is the case, the customary thing to do is leave your shoes at the door and walk inside with socks or slippers if they are provided. As a visitor who is not accustomed to this practice, you may feel strange walking around shoe-less at a formal corporate event, but just remember that it is a sign of utmost respect to do this, and will be appreciated by others around you. Also, you need not worry about losing your shoes, or having them mixed up with someone else's as our event management team will make sure that your shoes are well kept and returned to you when exiting the venue. In some cases, it is even possible to keep your shoes on, with special shoes covers provided to walk on inside the venue.
Bring an umbrella, not a raincoat or poncho but umbrella with you for the tour in June or July. Raincoats or poncho will make the coach seat wet and the room air gets uncomfortable. Sometimes students in the coach get sick. Please bring an UMBRELLA.
WE'VE GOT IT COVERED: UMBRELLA CULTURE IN JAPAN
No Soy Sauce on Rice !
No soy sauce on rice !
50 reasons why Tokyo is the world's great city
2017 Version
50 reasons why Tokyo is the greatest city in the world
2012 Version
50 reasons why Tokyo is the greatest city in the world
2009 Version
東京が世界一魅力的な都市である 50 の理由 | CNNGo.com
50 reasons why Tokyo is the greatest city in the world | CNNGo.com
キキカバ
「利き酒」は五感を用いて日本酒の品質を判定すること。香りを嗅ぎ、色を見たり、味わったり、日本酒の「色」「香り」「味わい」をもとに品質の良し悪しを判断します。
それを歌で行なうのが「キキカバ」。カバーバージョンを聴き比べて楽しもうという趣向です。五感を研ぎ澄ませて「All My Loving」のキキカバをお楽しみください。
INDEX
Original (The Beatles)
Paul McCartney
Live at Dutch TV, 1964
Live at the Morecambe and Wise Show, 1963
Rita Lee
Emily Linge
MonaLisa Twins
Beatrice Florea
Ai Ninomiya
Amy Winehouse
Suzy Bogguss & Chet Atkins
Prince Buster (Ska and Rocksteady Collection, Vol. 1)
John & Lindsey (Skeye)
Masayoshi Yamazaki
The Well Pennies
Herb Alpert & The Tijuana Brass
Shut Up & Kiss Me!
Liga Joe
LOS MANOLOS
Solo Piano Cover
Santo & Johnny
Kayla C
The Acoustic Session
Andreas Geffarth
nina
Haley Reinhart & Casey Abrams
Rocca Sisters
Lucy Burke
Dave Damiani & The Instigators
Dylan Galvin
Lula Band
Rogelio Edel
Wedding String Quartet
original (The Beatles)
Paul McCartney
Live Dutch TV, 1964 [Colorized]. With Jimmie Nicol on Drums
Live at the Morecambe and Wise Show, 1963
Prince Buster (Ska and Rocksteady Collection, Vol. 1)
Herb Alpert & The Tijuana Brass
1.ボート虫
ひとつの価値体系の部内者視点
2.岸辺虫
別の価値体系から見る部外者視点
3.モノ鳥
上空から個々の要素を俯瞰する分析視点
4.物語鳥
上空から個々の要素の関係を考える統合的視点
下記電子書籍でくわしく解説しています。
鳥を見た: 4つの視点で呼吸を読み解く
黒坂洋介 (著)
https://amzn.to/3P8XdDV
たとえば腹式呼吸。これを推奨する指導者があれば、批判する流派もある。そしてお互いの議論はどこまでも平行線で、交わることがない。
どうしてこんなことが起きるのか。それは「見ているところが違うから」である。さらには「見方が違うから」でもある。
腹式呼吸の推進派と批判派は、どちらかが正しくてどちらかが間違っているわけではない。いずれも自分がスポットを当てている部分については、なんらかの「正しい」主張をしている。けれども、相手がどこに着目しているかに無関心なのだ。
たとえば円錐形を上から見れば円形に見える。同じ立体を横から見れば三角形に見える。円錐よりもさらに複雑な構造物であれば、観察する立ち位置次第で、その形は千変万化するだろう。
実際、呼吸は私たちがふつうに思うよりはるかに複雑で大きな身体運動である。重力、骨格、筋肉、内臓、体液、神経、細胞内器官、化学反応、心理状態など、多層に渡って影響を及ぼし合う、きわめて精緻で大規模な現象なのである。
したがって、どの部分に注目するかによって、見える景色はまったく異なる。単純な「正解」はないと言ってよい。
本書では、視点の起き方を4種類に分けて、誤解が生じる原因とその解消法について提言する。
例によってわかりやすい読み物とするべく、対談スタイルのフィクション形式を採用した。水の呼吸シリーズでおなじみの、風来末先生とパイポくんに登場してもらう。
呼吸法のみならず、学習一般のヒントになれば幸いである。
]]>【マルハラのふしぎな世界 1:俵万智の短歌】
2024年2月27日
俵万智が詠んだ"マルハラ"についての短歌が話題だ。
マルハラとは「マルハラスメント」の略。LINEで中高年から受け取ったメッセージが句点で終わっていると、若者は冷たさを感じるというもの。
優しさにひとつ気がつく
×でなく○で必ず終わる日本語
(俵万智)
さすが日本語の達人◎
【マルハラのふしぎな世界 2:忌み言葉】
2024年3月3日
LINEの若者だけでなく、結婚するカップルにも句読点は嫌われるようです。
披露宴招待状へ返信メッセージを書くとします。そこに句読点( 。や 、)を入れると、「切れる」を連想させるため、お祝いには不適切なんだとか。句読点が忌み言葉として扱われるのですね。
また、句読点を付けた文章は読みやすくなるため、「こうすればあなたにも読めますよね」と相手を見下すことになる、そんな理由で避けるべきという意見もあるからびっくり。わかりにくい文章のほうが敬意があるのか???
降り続く雨は言うだろう
なんて人間はもろいんだ...
(スティング FRAGILE)
Image from 結婚式準備.com
※句読点をつけない例文として載っていたけど、うっかり最後の文にはマルをつけちゃったようです。
【マルハラのふしぎな世界 3:句読点の歴史】
2024年3月4日
マルハラ現象の背景には、句読点の歴史が関係している気がします。
読点(テン)が使われたもっとも古い記録は奈良時代にあると言われます。ただ、現在の句読点(テンとマル)がきちんとした形で使われるようになるのは、明治時代に学制が敷かれてからだとか。
つまりそれまで日本語における句読点は「なんとなく」使われていただけ。古文ではほとんど出てきませんしね。
明治39年(1906年)に、文部省が国定教科書の基準として「句読法案」を作成。これが句読点の使い方を初めて公に示したものだそうです。
新聞紙面でも、通常のニュース面では読点(テン)は使われていましたが、句点(マル)が使われることはまれだったようです。
文章の終わりのマルがすべての記事に付くようになったのは、朝日新聞の場合1950年7月2日付の朝刊紙面から。なんと戦後になるまで、句点は付いたり付かなかったりしたんですね。
だからLINEやお祝いメッセージで句読点が避けられてもそれほど奇異ではなく、日本語の歴史から見るとむしろ自然なことなのかもしれません。
【マルハラのふしぎな世界 4:コノテーション】
2024年3月6日
どうしてマルハラが生じるかについて、デノテーションとコノテーションで説明できるかもしれません。
たとえば「鳩」をハト科に属する鳥の意味で使うならそれはデノテーション(辞書的なオモテの意味)です。平和のシンボルという意味で使う場合はコノテーション(個人的・状況的なウラの意味)となります。
中高年がLINEで文末に句点(マル)を打つのは、そこが文の終わりであること、つまりデノテーションとして使っているわけです。しかし世代によって、そこに「冷たい」「怖い」というコノテーションを読み取るのでしょう。
お祝いのメッセージにデノテーションとして句読点を打っても、それは「切れる」あるいは「蔑視している」などのコノテーションでとらえられる場合がある。いわゆる「忌み言葉」という社会的な約束事です。
コノテーションは詩や小説で重視されます。言葉を使って具体的な対象を示すだけでなく、比喩的にさまざまな事象を表現できるからです。
このように考えるなら、マルハラは単に句点を打つか打たないかという単純な話でなくなります。情報の発信者と受信者におけるリテラシー(読み書き能力)が問題となるからです。
次回はそのお話を。
【マルハラのふしぎな世界 5:リテラシーの相関】
2024年3月8日
リテラシーはもともと「読み書き能力」のこと。昨今は特定分野の知識活用力を示す言葉として、ITリテラシー、メディアリテラシー、情報リテラシー、ヘルスリテラシー、金融リテラシー、文化リテラシー、環境リテラシーなど、さまざまな使われ方をします。
ここでは情報の発信・受信能力を「リテラシー」と呼びましょう。発信者と受信者のリテラシーによって、コミュニケーションの精度は表のように変化すると思われます。
双方が高いリテラシーを有している場合は良好なコミュニケーション(◯)、両方とも低ければ意思疎通が難しくなります(X)。どちらかが高くて他方が低い場合は、大小様々なすれ違いが生じることでしょう(△)。
さらにデノテーション(明示的な意味)とコノテーション(暗示的な意味)のそれぞれにリテラシーを考えることができます。
前者をDL(デノテーション・リテラシー)、後者をCL(コノテーション・リテラシー)とするなら、少なくとも以下4タイプの情報能力が想定できます。
タイプ1:高DL高CL→コミュ達(コミュニケーションの達人)
タイプ2:高DL低CL→杓子定規(一定の基準ですべてを律しようとする)
タイプ3:低DL高CL→内輪ウケ(特定集団の内部でだけ通じる)
タイプ4:低DL低CL→支離滅裂(意思疎通の停止)
LINEのマルハラに当てはめてみると、たとえば発信者がタイプ2(高DL低CL)で、受信者がタイプ3(低DL高CL)の場合、受信者は句点(マル)のついたチャットに恐怖を感じることが予想されます。
けれども発信者も受信者もタイプ1(高DL・高CL)であれば、そのような行き違いは生じることなく、状況に応じて句点を付けたり付けなかったり、自由なコミュニケーションを楽しめるでしょう。
「忌み言葉」については、また次回に。
【マルハラのふしぎな世界 6:イニシエーション】
2024年3月10日
符丁(ふちょう)とは、商品の値段や等級を示す隠語のこと。仲間うちだけに通用する業界用語もさします。音楽家が数字をC、D、Eと音名で表現したり、鰻屋で4,070円を「ツキマルカマル」などと暗号のように表現するのが好例です。
また、寄席芸人が扇子をカゼ、手拭いをマンダラと言ったり、警察が犯人をホシ、事件をヤマと呼び、料理屋で馬肉をサクラ、猪肉をボタンと呼ぶのも広義の符丁と言えるでしょう。
慶賀メッセージで「別れる」「切れる」などの忌み言葉を使わないのも、ひとつの社会体系の中での約束事であり、符丁の延長にある習慣かもしれません。
また、目上の人への手紙には句読点をつけないのがマナーとする考え方もあります。わかりやすく書くのは相手を下に見る行為だからというのが理由です。
これらの風習は、そこに合理性があるかよりも、このルールに従うかどうかで仲間とよそ者を区別する「合言葉的な」役割を果たしているようです。
特定の意味を記号に変換し(エンコード)、その記号を意味に復元(デコード)できる者は味方であり、できなければ敵である。この場合、記号の変換手続きが複雑であるほど、仲間内の結束は強くなるわけです。カルトの戒律や校則がしばしば謎ルールに満ちているのはそのせいかもしれません。
したがって、LINEに打つ句点(マル)を冷たいと感じるかどうかは、ハラスメントの問題というより「イニシエーションを経ているかどうか」に近い気がします。
イニシエーションは、グループや社会への参入を示す通過儀礼のこと。コミュニティの一員として正式に認められるための儀式です。
句読点ばかり打ちまくる私は、チャット交換コミュニティのイニシエーションが済んでないのでしょうかね。
つづく(ここにマルは打ちません - 笑)
Image from Sherlock Holmes Topia(シャーロック・ホームズ・トピア)
※興味深いのは、旗が語末を表していること。つまりこの暗号にもマル(というかピリオドですね)が存在しているのです。
【マルハラのふしぎな世界 7:橋をかけよう】
マルハラが話題となるとき、マルを「打つ派」と「打たない派」の対立図式でとらえられることが多いようです。
ここで何が対立しているかというと、コノテーション(暗示的意味)です。LINEにおける句点(マル)を、中高年と若者がそれぞれ独自の意味で認識しているわけです。
しかし私たちは世代間の分断を深めるのではなく、両者を橋渡しするべく建設的に知恵を使いたいと思います。
属性の異なる人が意思疎通できるデノテーション(明示的意味)を共有する。そのためには中高年も若者も基礎的な日本語のリテラシーを大切にする必要があるでしょう。
この活動を、世界共通語を創案したザメンホフに敬意を表し「エスペランティング」と呼んだりして(笑)
ところで本シリーズ冒頭にご紹介した俵万智の短歌は、エスペランティングにひとつの方向を示してくれると思います。
優しさにひとつ気がつく
×でなく○で必ず終わる日本語
(俵万智)
日本語の歴史を振り返れば、それは「○で必ず終わる」わけではなかった。しかしマルを「冷たさ」ではなく「優しさ」として位置づけ直すことは、今すぐにできそうです。
日々の言語活動を通じてマルに優しさを込める。句読点の使い方をくふうすることで、ハラスメントをエンタテイメントに変えられるのではないでしょうか。
それでは本稿を二重丸で締めくくることにします◎
(了)
]]>
電子書籍
『くらげ呼吸法〜ぐにゃぐにゃの内臓から力が湧く〜』
https://amzn.to/2VljySn
水の呼吸を代表するワークのひとつが「くらげ呼吸法」である。正式名称をジェリーフィッシュ・フロートといい、くらげの浮遊を意味する。
くらげ呼吸法は、体幹部開発のためにデザインされた。骨盤底部、腹部、胸部、肩甲部を別々に使えるよう練習を重ねる。
複雑な動きをともなうので難しく見えるかもしれないが、わりとすぐに覚えられる。慣れてくれば、自然な動きと感じられるだろう。
自分の身体をくらげと思って、海中を漂うイメージでやるとよい。閉じたり開いたりしながら、のんびり水に浮かぶ気分になれたら理想的だ。
くらげ呼吸法を10分ほど実践すると、身体が変化していることに気づくだろう。体幹部がほぐれて温まり、動きやすくなっている。
さらに、内臓を大きく動かすため、血の巡りがよくなる。酸素と二酸化炭素の交換が進んで、頭もすっきりする。
呼吸法は一生にこれひとつ覚えればいいと言えるほど、ゆたかな内容になっている。ぜひ長く愛用していただきたい。
今回もわかりやすい読み物とするべく、対談スタイルのフィクション形式を採用した。水の呼吸シリーズでおなじみの、風来末先生とパイポくんに登場してもらおう。
ポッドキャスト
第20回「くらげ呼吸法(1)用語編」
https://x.gd/Vv75e
水に学ぶ呼吸学校を代表するワークのひとつが「くらげ呼吸法」です。正式名称をジェリーフィッシュ・フロートといい、くらげの浮遊を意味します。この呼吸法は体幹部開発のためにデザインされました。骨盤底部、腹部、胸部、肩甲部を別々に使えるよう練習を重ねます。今回はくらげ呼吸法の用語について解説します。
第21回「くらげ呼吸法(2)実習編」
https://x.gd/NU0qb
くらげ呼吸法を実習します。終了後は身体が変化していることに気づかれるでしょう。体幹部がほぐれて温まり、動きやすくなっているはずです。内臓を大きく動かすため、血の巡りがよくなります。酸素と二酸化炭素の交換が進んで、頭もすっきりします。呼吸法は一生にこれひとつ覚えればいいと言えるほど、ゆたかな内容になっています。
〈歌う呼吸学校〉
脱力法、立ち方、呼吸筋トレーニングなどを実習する3時間半。腹腔を取り巻く筋肉群、四種類の腹式呼吸、満息域と空息域など理論についても解説します。本プログラムの経験が豊富な現役声楽家の高橋薫子先生、平井香織先生、佐橋美起先生、三浦志保先生からは実践的なアドバイスをいただきます。
※4名全員が毎回出席されるとは限らないことをご了解ください。
日時:2024年6月8日(土)
11:30開場
12:00〜13:00 くらげ呼吸法の基本(無料・要登録)
13:00〜16:30 歌う呼吸学校(有料・要登録)
呼吸法の基本から実習しますので、どなたでもご参加いただけます。くらげ呼吸法(無料)は、ひとつ身につけると一生役に立つ内容の濃い呼吸法です。こちらも経験の有無を問わずご参加いただけます。
会場:としま区民センター404会議室
東京都豊島区東池袋1-20-10
電話:03-6912-7900
定員:30名
対象:声楽家ほか歌を専門とされる方
受講料:4,000円(学生3,000円)
※受講料入金確認をもって「登録完了」です。満席となった場合のキャンセル待ちは、登録完了された方から優先となります。
※2024年6月6日(木)までにキャンセルの連絡をいただいた場合は50%返却。6月7日(金)以降のキャンセルは返却できませんのでご了解ください。
主催:Scuola del pontealto
申込方法
下記フォームからお申し込みください。
今後の手続きをメールでご案内します。
※ご注意
フォームへ入力して「送信」を押すと画面が白くなってそこから進まなくなるというトラブルが複数発生しているようです。今後の手続きについてのご案内が届かない場合は、お手数ですが事務局へメールでお問い合わせください。
うまく送信できない場合、「reCAPTCHA」というスパム回避機能が働いているかもしれません。入力者が人間かロボットかを区別するシステムです。以下のような画像があらわれて、タイルの選択を求められます。Googleにログインしていない場合や、iPhoneなどで入力した場合に出てくるようです。
衝撃的に特殊な呼吸法ナガコ
残気量と換気量をキープして、つまり呼吸の深さを変えないで長さ(換気時間)だけを変えていくのが「ナガコ」です。
これは特殊な呼吸法で、どれくらい楽器演奏に直結するかわからなかったのですが、ワークショップで試してみたところ、参加されたホルンのプロ奏者やボーカリストの方によると、「吸気のほうはわからないが呼気のほうはすごく役に立つ」とのこと。ヨガインストラクターの方にも「たいへん興味深い呼吸法」と評価していただきました。
たとえばロゴロゴを「吸い2拍、吐き2拍」で始めたとしましょう。次に吸い4拍、吐き4拍とするのですが、残気量も換気量も変えません。つまり60%-50%の範囲をキープし、出し入れする空気の量も10%くらいのまま呼吸時間だけを長くするのです。
さらにロゴロゴのまま吸い8拍、吐き8拍とする。そして同様のことをトクトク(100%-90%)でやったり、ミヨミヨ(30%-40%)やレイレイ(0%-10%)でやったりします。呼吸筋群の繊細なコントロール能力が求められる、かなり難しい呼吸法です。
]]>浅い呼吸を探求してみる
アサコは、肺活量の10%程度の空気を出し入れする浅い呼吸の練習である。ポイントは残気量を変えながら行なうこと。
肺が空っぽに近い状態で、つまり残気量0%~10%というところで浅い呼吸をしてみたり、逆に残気量100%~90%のあたりで空気の出し入れをしたりするものだ。
たいへんな集中力とコントロール能力が求められる呼吸法である。この練習をくり返すと、静かで凛とした気分になるので「清楚なアサコ」と呼んでいる。
一般に呼吸は深ければ深いほどよいと考えられているのではないか。しかし大切なのは、やみくもに量を増やすことではなく、呼吸をコントロールすること。
自分の肺の全領域を開発するというのは、「たくさん吸ってたくさん吐く」のではなく、どの領域でも上手に呼吸できるようになることだと考えている。
アサコでは一回の換気量(空気の出入りする量)を変えないで、肺の使い方を変えていく。まずは残気30%くらいまで吐いて、40%くらいまで戻す。これがミヨミヨだ。
以下、ニミニミ(20%-30%)、イニイニ(10%-20%)と続く。実践しながら、それぞれに身体の使い方が異なることを確認していただきたい。
次に残気量を増やした領域でトライする。ロゴロゴ(60%-50%)から始まって、ナロナロ(70%-60%)、ヤナヤナ(80%-70%)...と練習していく。いずれも呼吸筋群の使い方が異なる。
実践してみればわかるが、このように呼吸を繊細にコントロールするためには、高い観察力や集中力が求められる。
したがってアサコを練習することで、呼吸にかかわる筋肉群の感知能力と制御能力を高めていくことができるわけである。
アサコは条件を厳しくすることで中級のトレーニングをデザインすることができる。たとえば換気量を20%に変える、あるいは5%に減らす。
また、換気時間を吸気4拍・呼気4拍に増やす、あるいは吸気1拍・呼気1拍に減らすなど、無数のバリエーションが考えられる。
]]>トリップ感をともなう魔性の呼吸
フカコは呼吸の「長さ」を変えずに「深さ」だけを変えていくもの。残気70%まで吸って40%まで吐き、80%まで吸って30%まで吐く、のようにどんどん換気量を増やしていく。
フカコの特徴はなんといっても、その「激しさ」。大量の空気が短い時間に出入りをくり返すため、心身の状態が一気に変化する。トリップ感をともなう魔性の呼吸である。
ここでは呼吸の時間は一定に保つ。たとえば2秒吸って2秒吐くことにする。この時間サイクルで、まずは60%まで吸い50%まで吐く呼吸をくり返す。鼻から吸って口から吐く。これはふだんの呼吸だから、なんの問題もなくできるはずだ。
次に70%まで吸って40%まで吐く。残気量は主観で構わない。だいたい70%くらいかな、これで40%くらいかな、というあたりで呼吸しよう。70−40%だと、深呼吸しているぞという実感があるだろう。
さあ、次は80−30%だ。けっこうキツくなってくる。さらに90−20%、100−10%と、どんどん呼吸を深くしていく。そして、吸える限界まで吸って吐ける限界まで吐く100−0%を練習する。
100−0%を数回やったら、息を深く吸い、数秒間止めてからゆっくり吐き出そう。そしてしばらく休憩する。休憩前に「息を止める」ことをしておかないと、めまいがしたり気分が悪くなる場合があるので、忘れずに止息を行なう。
ここまでの練習を重ねると、肋骨まわりの筋肉群もほぐれてくる。するとこれまでの自分の限界(FとL)を超えて吸ったり吐いたりできるようになる。それを意識的に練習するのが110−△10%である。 △10%は「マイナス10%」を表現している。自分の吸いの限界も吐きの限界も、それぞれ10%ずつ超えるつもりで、大きく吸って、大きく吐こう。
4呼吸から8呼吸程度行なったら、たっぷりと息を吸い、数秒間止めてからゆっくり吐く。そしてしばらく休憩である。
この呼吸練習にはいくつかポイントがある。
●鼻から吸って口から吐く。
●首から肩の力を抜いておく。
●胸も背中もゆるめておく。
●なるべく姿勢をまっすぐ維持する。
●息を吸うときのけぞらない。
●息を吐くとき前傾しない。
【インデクス】
作編曲者からのメッセージ
音源・譜面ダウンロード
作編曲者紹介
演奏についての質疑応答
お問い合わせ先
■作編曲者からのメッセージ
作編曲家Nick Lane氏から演奏する皆さんへの激励と演奏に関するヒントです。原文のまま掲載します。演奏する前にバンドメンバーで読んでみてください。Lane氏のメッセージを曖昧にすることなくダイレクトに感じ取ってほしいので翻訳はありません。
Rehearsal/Performance Notes for "Down for the Count"
By Nick Lane
The "Count" in the title refers to Count Basie, who led a band famous for jazz ensemble performance....they played with a unity of style and purpose and a classic sense of swing. Inspired by Basie's band, this chart should be played with a playful swinging attitude and hopefully inspire your band to find that same unity of style and purpose. Although there may be 18 of you, at times, only 3 different lines are being played. So it's important to listen to the players around you, know who you're playing in unison with and understand who has the lead, making sure you are blending and phrasing the same way (short & long notes, scoops, bends & falls) and playing in tune and in time. Good musical performance is ALWAYS about intonation and time!
This song (like many Basie songs) is in AABA form. The first A section is a basic statement of the melody. The rhythm section (YOU are the pulse of the band) can start light and swinging and help the ensemble build gradually through the bridge (letter C) and into the solo section. The soloist plays 8 bars over the chords of the A section and the ensemble returns to recap the original A melody. (original theme) There's a bit of a de- crescendo into a smooth 2nd bridge (letter F)....even though it's softer and smooth, the rhythm section should keep the energy through that section and help the ensemble build into the last A section.
It builds even more into the "surprise" Shout Chorus at letter H. This is the climax of the swinging! Give it all ya got! Everyone joins into the triplet figure only to have it blast into straight eights with 5 big hits. The rhythm section needs to immediately shift gears into a funky boogaloo. Check out James Brown's version of Get Up (Sex Machine) for style inspiration. Each section does it's "thing" together, building to a unison riff with the whole band and a tight ending. Although the falls throughout the chart should be fast falls, that last one can be big and long! Have fun with it!
■音源・譜面ダウンロード
第14回課題曲"DOWN FOR THE COUNT"(準備中)
(2024年4月アップロード予定)
テンポ : 110BPMもしくはそれより遅く
1.ソロ例はあくまでも参考です。書かれた譜面を演奏してもいいですし、自由に即興しても構いません。
2.ソロ例のデモ音源は曲調をつかむためのサンプルです。これが模範演奏というわけではありませんのでご注意ください。
3.ピアニストは譜面のコンプを弾いてもいいですし、即興しても結構です。
4.指定されたものと異なる楽器でソロをとっても構いません。
Nick Lane(ニック・レイン)
ニック・レーンはロサンゼルスを拠点に活動するトロンボーン奏者、アレンジャー、作曲家。アイオワ州で生まれ育ったレーンは、ボストンのバークリー音楽大学を卒業後、ジャズ・トランペッターのメイナード・ファーガソンに師事し、最終的に5枚のアルバムをレコーディングした。(LAに移ってからは、何百ものアーティストと仕事をし、レコーディング、TV番組、映画で演奏、アレンジを担当。さらに、ロッド・スチュワートとの5度のワールド・ツアー、トム・ペティの "Pack Up The Plantation "ツアー、アルバム&映画、フーの "Quadrephenia "ツアー&DVDなど、幅広くツアーを行っている。99年以降は、シカゴのジェイムズ・パンコウの代役を定期的に務め、エタ・ジェイムズ、ニール・ダイアモンド、ヴェロニク・サンソン、ジョー・ボナマッサらともツアーを行っている。彼のピノ・ノワール・ブラスはクリスマス・ミュージックのCDをリリースしたばかりである。ソロCDは『Bone in the USA』、『Alias Smith & Lane』(いずれもインストゥルメンタルR&B)、オーケストラ、コーラス、ソロ・トロンボーンのために作曲した曲を収録した『Songs for the Heartland』の3枚がある。その他の音楽プロジェクト、CD、チャートは彼のウェブサイトwww.NickLaneMusic.com で購入できる。
■演奏についての質疑応答
※質問をいただくたびに随時更新していきます。
コンダクターについて
【Q】コンダクターは自分のバンドの部員で、ステラジャム出場権のある人に限られるのでしょうか? それとも年齢制限やどこに属するかなどの制限は特にないものなのでしょうか?
【A】コンダクターの出場資格については一切制限がありません。年齢制限はありません。上級生でもOBでもプロでも構いません。
リズム隊の演奏
【Q】課題曲のピアノ、ベースなどは完全にスコア通りじゃないと減点になるのでしょうか。
【A】リズム隊は通常のビッグバンド曲同様、大幅な解釈の幅があるとお考えください。かなり自由に演奏していただいて結構です。
ただし曲自体のテンポを変えたり、管楽器のアンサンブルが大きく変わるような変更は減点の可能性がありますのでご注意ください。
具体的にこの部分をこう変えたいがOKかという質問にもお答えいたしますので、お気軽にお問い合わせください。
指揮者がギロを
【Q】曲中Latin feelになるところだけ指揮者がギロを擦るという演出を考えているのですが可能でしょうか。
【A】演出の一部と考えますのでOKです。上記「リズム隊の演奏」に準じます。
課題曲をアレンジして
【Q】課題曲を編曲者に依頼してアレンジして当日演奏することは禁止行為に抵触しますか。
【A】編曲をした場合、それは「自由曲」とみなされます。それとは別に原曲どおりに課題曲も演奏していただくことになります。ただ、課題曲「MAKE UP YOUR MIND」に加えて、まったく別アレンジの「MAKE UP YOUR MIND」を自由曲として演奏するというアイデアは、試みとしてはおもしろいと思います。なお編曲を希望される場合は、作曲者から了解を得ますので、ステラジャム実行委員会までご連絡ください。
ソロコーラスを
【Q】課題曲のソロを1コーラス増やすことは可能でしょうか。
【A】課題曲は譜面通りの尺で演奏してください。課題曲を改変した場合は「自由曲」とみなされますので、それとは別に本来のサイズで課題曲を演奏する必要があります。
特殊楽器を使用して
【Q】課題曲でティンバレス、コンガも演奏することは可能ですか。
【A】アレンジを変更しないという条件付きでOKです。ソロをラテン・パーカッションで演奏してもOKです。
別の楽器でソロを
【Q】課題曲のソロは、スコアに書かれているのと別の楽器で演奏しても問題ありませんか?
【A】ソロ部分は何の楽器で演奏しても自由です。他の楽器でソロをしても問題ありません。
ソロ裏のリズム隊の演奏について
【Q】楽譜記載以外のフィールで演奏することは減点の対象になりますか? 拍子の変更もまた減点の対象になるでしょうか?
【A】ソロ尺が変わらなければ、指定以外のフィールでも構いません。拍子の変更も構いませんが、小節数がオリジナルと同じになるよう留意ください。リズム隊の伴奏については、通常のジャズ演奏同様、大幅な自由があるとお考えください。
特殊な事例
【Q】課題曲のAlt2の譜面をサックスと一緒にクラリネットも吹いて演奏すること(木管楽器はAs 2人、Ts 2人、Bs 1人、cl 1人の計6人)は可能ですか?
【A】譜面を変えないで演奏するという条件であれば問題ないと考えます。
【Q】課題曲のソロパートのみ、その曲に乗っていない人が舞台袖から登場して演奏することは可能ですか?
【A】これは演出の一部とみなします。可能です。
■お問い合わせ先
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コンコーディア大学アーバイン校について
合唱団
管弦楽団
合唱指揮者
管弦楽指揮者
コンコーディア大学アーバイン校について
コンコーディア・ユニバーシティ・アーバイン(CUI)は私立の非営利ルーテル派キリスト教4年制リベラルアーツ大学であり、学生を人生における召命であるボケーション(職業)に備えています。コンコーディアでは、教育、看護、神学、ビジネス、コーチング/陸上管理などの学部課程、大学院課程、博士課程を提供しています。CUIの学士課程プログラムの特徴は、全国的に認知されたコア・カリキュラムである「Enduring Questions & Ideas」と、ルーテル派の伝統である「Grace Alone. 信仰のみ" コンコーディアは、U.S. News誌のTop Tier Regional Universityであり、Chronicle of Higher Education誌により、最も急成長している私立の非営利修士教育機関のひとつに選ばれている。 年間4,000人以上の学生が在籍し、全米大学体育協会(NCAA)ディビジョンⅡに加盟している。
コンコーディア大学アーバイン校は、南カリフォルニアでも有数の音楽学習センターを擁しています。当校のフレンドリーな文化は、学生一人ひとりの成長を第一に考える教授陣が率いる高水準の卓越性によって支えられています。新しくオープンしたボーランド=マンスケ・センターでは、教授陣と同学年の学生との交流が最大限に生かされ、優れた音楽家としての資質とミニストリーの追求を共有する場となっています。
私たちの目標は、音楽のさまざまな文脈を理解するとともに、一般的な音楽性、演奏、音楽的コラボレーション、批判的な聴き方を身につけることです。オーケストラ、ジャズ、聖歌隊、礼拝堂、商業音楽、ハンドベル、室内楽などで構成されるアンサンブルは、音楽のプロを目指す学生だけでなく、音楽を専攻していないが音楽の喜びのために演奏したいと願う学生にも門戸を開いている。
コンコーディア大学アーバイン校のコンコーディア合唱団は、アメリカ、西ヨーロッパ、アジア、南米の各地で演奏活動を行い、その卓越した伝統を維持している。この合唱団は、55の声楽家によるアンサンブルで、様々な文化や歴史的時代から選りすぐられた素晴らしい合唱曲を演奏し、高い評価を受けている。コンコーディア合唱団は、コンコーディア礼拝・舞台芸術センターの美しい音響の中で、大勢の聴衆の前で定期的に演奏を行っている。毎年の公演には、全国ツアー、人気の高いコンコーディア・クリスマス・コンサート、秋の賛美歌フェスティバル、プロのオーケストラとのマスターワークス・コンサート・シリーズなどがある。
コンコーディア合唱団は、ドイツ、オーストリア、スイス、チェコ共和国、スロバキア、ポーランド、ハンガリー、アルゼンチン、ブラジル、イタリアなど、世界各地のコンサート・ツアーに参加している。最近の国際ツアーでは、宗教改革500周年を記念してドイツとオーストリアでコンサートを行い、印象的なベルリン大聖堂、ザルツブルクのレジデンツ、そしてマルティン・ルターが95ヶ条の論題に釘を打ち、宗教改革が始まったヴィッテンベルク城教会で演奏した。
コンコーディア大学アーバイン校のコンコーディア合唱団は、全米各地から集まった優秀な歌手たちで構成されている。半数以上がカリフォルニア州出身で、残りは12州から集まっている。音楽専攻の学生がアンサンブルの半数近くを占めるほか、美術、グラフィック・デザイン、演劇、歴史、社会学、心理学、ビジネス、コミュニケーション、数学、生物学、化学、英語、教育学、神学などの専攻もある。クライスト・カレッジのチャーチ・ワーク・プログラムの一環として、牧師、青少年指導者、音楽監督としてのキャリアを目指す学生もいる。
合唱団は毎年春に、「マスターワークス・コンサート」シリーズの一環として、主要な合唱作品をプロのオーケストラとともに上演している。過去には、バッハのミサ曲ロ短調、メンデルスゾーンのエリヤ、モーツァルトの大ミサ曲ハ短調、ハイドンのネルソン卿ミサ、プーランクのグローリア、オネゲルのダビデ王、ヘンデルのメサイア、モーツァルトのレクイエム、バッハのマニフィカト、バーンスタインのチチェスター詩篇、メンデルスゾーンの聖パウロ、ヴォーン・ウィリアムズのドナ・ノビス・ペースム、デュルフレのレクイエム、バッハの聖マタイ受難曲などが演奏された。
コンコーディア・シンフォニー・オーケストラ(CSO)は、コンコーディアの主要な器楽アンサンブルであり、大学のトップ奏者から構成されています。2011年にコンコーディア・シンフォニエッタとして設立されたコンコーディア管弦楽団は、規模を拡大し、今やプロのオーケストラのレパートリーを演奏する強大なオーケストラとなった。現在のシーズンには、チャイコフスキーの交響曲第5番、カール・ニールソンの交響曲第3番、PBSで全米放送されるクリスマス放送、セガストローム・コンサートホールでのクリスマスコンサート、テキサス州への演奏ツアーなどがある。また、ソリストにアマンダ・アチェンを迎え、『ファイナルファンタジー』や『ヘイロー』などのビデオゲーム音楽のコンサートも開催する。コンコーディア・シンフォニエッタは、現在CSOのメンバーで構成される室内オーケストラで、ロジャー・ウィリアムズのポピュラー音楽のコンサートでシーズンを開幕し、バロックやクラシックのレパートリーの音楽を演奏することが多い。
Dr. Michael Busch
マイケル・ブッシュ博士
マイケル・ブッシュ博士は、コンコーディア大学アーバイン校の音楽学部教授であり、合唱および声楽活動のディレクターを務めている。指揮法、音楽理論、合唱法などを教えている。コンコーディア合唱団とコンコーディア・マスター・コラールとの活動は、毎年コンコルディア・センター・フォー・ワーシップ&パフォーミング・アーツに満員の聴衆を集める高い評価を得ているコンサート・シリーズで紹介されている。また、コンコーディア合唱団を率いて、アメリカ国内はもとより、ドイツ、オーストリア、スイス、チェコ共和国、スロバキア、ポーランド、ハンガリー、カナダ、ブラジル、アルゼンチン、イタリアを演奏旅行している。最近では、宗教改革500周年を記念したドイツ・オーストリアツアーでコンコーディア合唱団を指揮し、印象的なベルリン大聖堂、ザルツブルクのレジデンツ、マルティン・ルターが95ヶ条の論題に釘を打ち、宗教改革が始まったヴィッテンベルク城教会で演奏した。
コロラド大学ボルダー校で合唱音楽の文学と演奏で音楽芸術博士号を取得。サンノゼ州立大学では、合唱指揮とオルガン演奏の両分野で修士号を取得。彼の作品は、シャーリーン・アーキベック、リン・ウィッテン、アラン・ルーリング、ロジャー・ナイキストのもとで学んだ影響を受けている。コンコーディアに着任する以前は、各学年で合唱を教え、カリフォルニア州とコロラド州で大規模な合唱とオーケストラの音楽奉仕プログラムを運営していた。音楽への情熱を分かち合い、音楽教育者や教会音楽指導者を目指す音楽家を指導することが、彼の大きな喜びである。
コンコーディアでは、主要な合唱作品をプロのオーケストラと共演させる「マスターワークス・コンサート」シリーズを立ち上げた。彼の指揮の下、これらのコンサートには、バッハのミサ曲ロ短調、メンデルスゾーンのエリヤ、モーツァルトの大ミサ曲ハ短調、ハイドンのネルソン卿ミサ曲、プーランクのグローリア、オネゲルのダビデ王、ヘンデルのメサイア、モーツァルトのレクイエム、バッハのマニフィカト、バーンスタインのチチェスター詩篇、メンデルスゾーンの聖パウロ、ヴォーン・ウィリアムズのドナ・ノビス・ペースム、デュルフレのレクイエム、バッハの聖マタイ受難曲などが含まれている。
コンコーディアでの職務に加え、ブッシュ博士は、アメリカ西部のクリニック、コンベンション、フェスティバルで、客演指揮者、フェスティバル・オルガニスト、合唱審査員、ワークショップ・リーダーとして活躍している。また、アメリカ合唱指揮者協会(ACDA)の西部支部で、礼拝における音楽のレパートリーとスタンダードの委員長を務め、ACDAとコリスターズ・ギルドの会議でも発表している。彼は3人の男の子の父親であり、30年以上連れ添った妻と幸せな結婚生活を送っている。
Dr. Jeff Held
ジェフ・ヘルド博士
"非常に強い音楽的個性" (グレン・プライス)
ジェフ・ヘルドは、コンコーディア大学アーバイン校の多面的な指導者であり教授である。
彼は芸術科学部の副学部長として芸術活動と音楽を指導している。革新的な音楽専攻、NASMの認定、大規模な施設のアップグレード、学生数の増加など、音楽学部の全面的な発展に大きく貢献している。また、美術、グラフィック・アート、演劇、ダンス・プログラムの教授陣もサポートしている。
また、コンコーディア・ウインド・オーケストラとコンコーディア・シンフォニー・オーケストラの音楽監督も務めている。2005年にこれらのアンサンブルの専任教員として就任して以来、学生を吹奏楽、交響楽団、バロック音楽、教会音楽、室内楽など多くのオーケストラ・アンサンブルに参加させるプログラム構成を確立してきた。これらすべてのオプションを創造的に組み合わせることで、彼は大学音楽アンサンブルのための最も創造的なコンサート・プログラマーの一人となり、聴衆と演奏者を喜ばせ、教育してきた。
教育面では、オンラインクラス「MUS 112: Music in the Liberal Arts」を通じて、多くの学生に広大な音楽の世界とその歴史を紹介している。このクラスは、"なぜ芸術なのか?"という問いに取り組むことで、コンコーディアのQ&Iカリキュラムに貢献している。また、ヘルド博士は、音楽専攻の学生がオーケストラを指揮できるように指導している。
ボストン大学で音楽教育学博士号を取得。彼の研究テーマは、大規模大学と小規模大学における音楽専攻生の学習環境の比較である。サザンオレゴン大学のアメリカン・バンド・カレッジで修士号を、バルパライソ大学で音楽の学士号を取得。また、コンコーディア大学アーバイン校のルーテル教学コロキーを修了。彼のキャリアは、オレンジ・ルセラン高校のバンド・ディレクター兼音楽科委員長として始まり、そこで著名なコンサート・バンド、ジャズ・バンド、ハンドベル・アンサンブルを確立した。
]]>黒坂洋介
<吸うはやすく吐くはかたし>
息を吸うことと吐くことを比較した場合、人体の構造から考えて、吐くことのほうが難しいといわれています。吐くための筋肉のほうが吸うための筋肉よりも少ないからだそうです。
しかし、吹奏楽部を対象とした呼吸法講習会で「みなさんは吸うのと吐くのとどちらが難しいですか」と尋ねると、多くの生徒から「吸うほうが難しい」という答えが返ってきます。
また管楽器演奏で呼吸にトラブルがあると考えられる場合、「もっとたくさん吸う」ための練習をすることが多いのではないでしょうか? つまり問題は「吸い」にあると多くの演奏者および指導者が考えているということです。
どうして吸いのほうを難しいと感じる人が多いのでしょうか。そして呼吸のトラブルは「吸い」の練習をすれば解決するのでしょうか。
<肺と呼吸の関係>
添付した「肺と呼吸の関係」という図をご覧ください。まず、この図の読み方を説明します。
※図をクリックで拡大。
「F」と書いてある一番上のラインは、息をめいっぱい吸った、つまり肺が満タンな状態です。一番下の「E」ラインは肺の中に空気がないからっぽの状態です。したがって、FからEまでに収容できる空気の総量が「A全肺気量」ということになります。
人間は肺の空気を全部出し切ることはできません。どんなに吐いてもかならず肺の中には空気が残ります。これを「C残気量」といいます。ですから息を吐き切った状態が「L」で示したラインということになります。FからLまでのことを「B肺活量」と呼びます。
さて、まん中あたりにある「N」のラインに注目してください。これは肺内部の気圧が外気とほぼ同等のとき、つまり吸っても吐いてもいないニュートラルな状態のときです。
ここから少し吸っては吐き、また吸っては吐くという浅い空気の出し入れをくり返すのが、ふだんの、つまり安静時の呼吸です。図中には「D安静時の呼吸で使う領域」として示してあります。
Nから息を吸った領域を「P満息域」、Nから吐いた領域を「Q空息域」と呼ぶことにしましょう。
<深呼吸はおもに満息域で行なわれる> ふつうに「さあ深呼吸しましょう」と言われたら、 私たちはまず大きく息を吸うことが多いでしょう。 つまり図中P満息域の「(1)P吸」をやり、その後「(2)P呼」に移るわけです。
このとき「どこまで吐くか」には、個人差がありま す。深呼吸ですから、N点は越えるケースが多いでしょうけれども、比較的浅いところで吐き終えて、ふたたび吸気へ折り返すと考えられます。
なぜなら、Q空息域において吐くためには、安静時にはない特別な身体の使い方をしなくてはならないからです。人間にとって吐きが難しいというのは、じつは空息域でのことなのです。
<ふだんは満息域だけ使っている>
図をよく見ると、安静呼吸は満息域側で行なわれていることがわかります。つまり、Nから少しだけ吸い、それを吐いてNあたりに戻す。このくり返しが安静時の呼吸です。
また先に見たように、いわゆる深呼吸のときも、おもに満息域が使われていました。つまり、自然にまかせて呼吸しているかぎり、私たちは満息域ばかり使う傾向が強いのです。
ところで満息域において意識的努力が必要なのは、たしかに「吸い」のほうです。呼吸筋に入力して吸気を行ない、力を抜くことで筋肉の復元力を使って息を吐く。「(1)P吸」は努力吸気であり、「(2)P呼」は復元呼気というわけです。
もし満息域だけを呼吸と考えるなら、「吸うほうが吐くより難しい」という感想を持ってもふしぎではありません。吸うときには意識的努力が必要で、吐くときはそれを解除するだけでよいからです。
逆にいうと、「吸うほうが難しい」と感じている人は、空息域での呼吸をあまりしたことがない、あるいはそれを意識したことがないのかもしれません。
<空息域では吐き方が違う>
空息域においては、吸いと吐きの「努力感」が逆転 します。つまり、吐くことに筋入力が必要で、それをゆるめることで息が入るのです。
「(3)Q呼」は努力呼気であり、「(4)Q吸」は復元吸気となるので、空息域においてはあきらかに呼気(吐く息)のほうに意識的努力が必要です。
もう一度、図で確認しておきましょう。
P満息域の吸い=(1)P吸 → 努力感をともなう
P満息域の吐き=(2)P呼 → 復元力にまかせる
Q空息域の吐き=(3)Q呼 → 努力感をともなう
Q空息域の吸い=(4)Q吸 → 復元力にまかせる
同じ「吐き」でも、満息域はラクチンで、空息域ではシンドイことがわかります。
また、空息域はふだんほとんど使っていないので、「(3)Q呼」は、多くの人にとって特に難しいと考えるべきでしょう。
<問題は吐くときに起きている>
管楽器は吐いているときにしか音が鳴りません。もし管楽器奏法に問題があるとすれば、それらの問題は、かならず「息を吐いているとき」に生じているはずです。
したがって問題解決のためには、吸うことよりも吐くことに注目したほうがよさそうです。もう一度、図を見てみましょう。
「(2)P呼」の間は呼吸筋の復元力を使えるので、比較的楽に吐けます。しかし、N点を越えて「(3)Q呼」になると、吐くのがぐっと苦しくなります。
これを解決するには、二つの方法があります。ひとつは消極的な方法です。それは満息域の吸気、つまり「(1)P吸」の能力を高めるというやり方です。いわゆる「もっと吸いなさい」という練習ですね。
どうしてこれが消極的かというと、「(1)P吸」の能力を上げることで、「(2)P呼」の復元呼気の量を増やす(あるいは時間を延ばす)だけであって、問題の本質である「(3)Q呼」の力不足は解決しないからです。
本当の問題は空息域の呼気で起きているはずですから、これを「積極的に」解決するためには「(3)Q呼」そのものにアプローチする必要があるのです。
<からっぽで吐く>
では、「(3)Q呼」そのものを開発するにはどうすればよいのでしょうか。
以前、洗足学園大学ジャズコースでトロンボーン奏者のブルース・ポールソン氏が紹介してくれた方法がひとつの参考になります。
1.まず、楽器で簡単なスケールを吹きます。このとき自分の音色をよく聞いて覚えておきます。
2.つぎにマウスピースをはずし、管に向かって思いきり息を吹き込みます。このとき口は管にはつけません。5回、10回と、息を吸っては激しく吹き込むことを繰り返します。この間、約1〜2分。
3.ふたたびマウスピースを装着して、同じスケールを吹きます。同じアンブシュア、同じタンギングで吹いても、音色、音量とも、さきほどとはまるで違っていることに気づくでしょう。
これは「意識的に強く吐く」ことで、息を吐くための筋肉群を活性化する方法です。
このような「(3)Q呼」開発法を計画的にふだんの練習へ取り入れるための教材があります。「ハイ・エア・ビルド」という金管教則本です。
ハイ・エア・ビルドでは、中低音から超低音のペダルトーンを使って、音符を吹き伸ばし、息がなくなりかけたらクレシェンドをかけ、音が出なくなってからさらに3秒間吹き続けるという練習をたくさんやります。徹底的に吐き切るトレーニングを重ねることによって、空息域で息を吐くための筋肉群を育てるわけです。
このような「吐き切る」練習をするのは、管楽器奏者にとって、もっとも効率的で効果的な呼吸トレーニングだと考えられます。ふだんはあまり使わない空息域の呼気「(3)Q呼」をダイレクトに鍛えることができるからです。
<吸う練習はしなくてよいか>
もちろん満息域もどんどん開発すべきであり、吸う練習も必要だと考えます。また、満息域の呼気「(2)P呼」はラクチンと先に述べましたけれども、楽器を演奏する場合はもう少し事情が複雑になってきます。このあたりについては機会をあらためて解説することにしましょう。
まずは閉吸開呼
ここで閉吸開呼をやってみよう。まずはゼロスリー。ヘイキュウで仙節へ意識を吸い集め、カイコで仙節から全身へ吐き広げる。慣れてきたら「まわりの風景と仙節」の間で意識を開閉し、やがて「天地球と仙節」で開閉、と徐々にスケールを大きくしていく。
このときもわずかに微細なキメラダンスをかけておくといい。背骨が動くというより、天地芯そのものがキメラダンスを舞うとイメージすればいいだろう。壮大にして繊細なキメラダンスを楽しもう。
歩く呼吸で身につけた影添いの閉吸開呼は、立位でも使える。むしろ立位のほうが簡単に感じられるはずだ。ひたすら呼吸の出入りを観察し、息が入るとき「ヘイキュウ」、出るときには「カイコ」とつぶやく。呼吸を操作するのではなく、ただ観察するのはここでも同じだ。
先にも述べた通り、立位は歩位よりも集中力が高い。また静止状態のため心拍数も少ない。だから影添いでなく、呼吸操作をすることもできる。そこで閉吸開呼のバリエーションとして、意主息従も試してみよう。
といっても複雑な呼吸法をする必要はない。これまでは自然呼吸をただ観察していたのだが、それを少しだけ伸ばしてみるのだ。ゆったりと吸いながら「ヘイキュウ」、のんびり吐きながら「カイコ」を心で唱える。けっして無理に呼吸を伸ばさない。あくまでも気持ちよさを感じる範囲で長く深い呼吸を心がける。
自分でも驚くほど長い呼吸になる場合がある。たとえばヘイキュウで長〜く吸っている。もうそろそろ苦しくなるなと思うところで折り返し、カイコとつぶやきつつ吐いていく。これはこれで素晴らしい呼吸法だと思う。
虚呼吸を使う
このとき虚呼吸を使うと、さらにハイレベルな呼吸体験を得られる。虚呼吸は実呼吸に対する概念だ。実際に空気が入ったり出たりするのが実呼吸、空気の出入りはないけれども身体が吸うあるいは吐く態勢のときを虚呼吸と呼ぶ。
たとえば息を吸いきった状態で、喉を開けたまま一瞬空気の動きを止めてみよう。そのとき、身体は吸気の運動を続けている。そうでなければ空気が勝手に出ていってしまうはずだ。この「吸っているのに空気が入って来ない」状態を虚吸気と呼ぶのだ。
吐く場合も同様である。息を吐ききった状態で、喉を開けたまま一瞬空気の動きを止める。身体は吐く運動を続けているが、空気は出ていない。これが虚呼気である。吸いきった状態でも吐ききった状態でも、喉を開けて空気の動きを止める時間を長くしていくと、いっそう虚呼吸がよく理解できるはずだ。
虚実分立から継息へ
それをさらに進めると、「吸っているのに空気が出る」「吐いているのに空気が入る」という逆転状態も体験できる。少しやってみよう。ヘイキュウと唱えながら仙節へ向かって閉じながら吸っていく。そして意識では「閉吸」を続けながら、身体では空気を出していくのだ。つまり虚吸気で実呼気という状態になる。これを虚実分立と呼ぶ。
けっして簡単なテクニックではないので、取り組む場合は時間をかけて自己観察していただきたい。虚実分立ができるようになると、吸気も呼気も(理論的には)無限に伸ばしていくことができる。どうしてそんなことが起きるのか。
たとえば2分間息を吸うとしよう。ふつうは2分も吸い続けることはできないだろう。しかし途中に虚吸気をはさむ。つまり意識は2分間吸い続けている、実際には途中で息をつぐのだ。「もう吸えない」という限界が来たら、少しだけ息をもらして、そこからまた吸い始める。一瞬の実呼気を入れるが、意識は吸い続けているわけだ。
このテクニックを継息(けいそく)と呼ぶ。これを使えば5分でも10分でも吸い続けることができる。吐くのも同様だ。さあこれから30分吐こうということも、やる気になればできる。ようするに身体の呼吸と、意識の呼吸を別々に操作するのである。
虚実分立はじつに奥深い技術である。本来は身体運動と意識運動を別々に操作するためのものだが、ここではこれ以上深入りしない。ひとまず立位の閉吸開呼をゆったり行なうことに使ってみていただきたい。
※参考書籍:
『呼吸法を毎日2時間するようになって見つけたこと』より
加速タンギングで世界が変わる! ビュレット金管トレーニング
2018年に発表された金管楽器練習の新教程が「ビュレット金管トレーニング」。ビュレット・トレイン(bullet train)は直訳すると「弾丸列車」で、日本の新幹線を意味します。いわば超特急練習法です。
ここでいう「超特急」には2つの意味があります。ひとつは、すみやかに目的地へ到達できる、つまりすぐに効果が実感できること。もうひとつの意味は、文字通り「ハイスピードで」エクササイズに取り組むこと。非常に速いテンポで、超高速のタンギング練習を行ないます。
もちろん、やみくもに速く吹けばいいというものではなく、そこには緻密に計算された上達ステップがあります。10年以上開催してきた金管セミナーにおいて、全国各地で受講者のさまざまな課題と直面し、その解決策が考案されてきました。
それらを整理分類して練り上げられた教授システムが、ビュレット金管トレーニングなのです。本シリーズはこの超高速エクササイズに準拠したテキストです。
006 JUPITER
JUPITERは音域拡大のエクササイズ。これまでにあった教則本のような「下から上に昇って行くパターン」ではなく、最初にその音を予約して、それを舌とエアによってノックして行くという手法になっています。19世紀から20世紀初頭のヴァーチュオーソたちがやっていたエクササイズの資料からヒントを得たものです。
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お詫びと訂正
※Bullet Training 006 JUPTER(旧ト音版)をお買い上げのみなさまへ。旧ト音版 Register 2(p8 第6段)の記譜に誤りがありました。お詫びして訂正いたします。
005 THE SUN
THE SUNはウォームアップ&ダウンのエクササイズ。ペダルルーティーンもふんだんに活用しています。
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レッスン参考動画集
MS Brass Lesson
ハイノートは科学です。本書は音域拡大に焦点をしぼった教則本。半年間これ一冊を集中的に練習することで、トランペットのハイE(コンサートD)を確実に手に入れるのが目標です。速習のための特別プログラム。
※ハイノート入門I-IV 〜ダブルハイC(音域)へのステップ・バイ・ステップ〜の内容を一冊にまとめた徳用版
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<ヘ音 LESSON 1-22>
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ハイノート入門I-IV 〜ダブルハイC(音域)へのステップ・バイ・ステップ〜
ハイノートはタング(舌)とエア(息)の連動が身につけばらくらく出せる。そのために「ロングトーン下降・上昇」「タンギング」「フレキシビリティ」「シラブル」「ペダル」「レンジ」など多様なエクササイズをバランスよく学ぶ必要があります。初心者・中級者から、音域拡大に取り組む人一般に適した教則本です。
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フレックス・タング・ビルド 〜強靭で柔軟な舌を開発する〜
著:杉山 正
杉山正は、伝説的ブラスエデュケーターとして名高いクラウド・ゴードン博士に師事し、アメリカで17年間にわたって金管演奏および指導法を学びました。日本へ帰国後は、プロから初心者まで数多くの奏者を指導してきた金管教育のエキスパートです。その指導は合理的、具体的、かつ実践的。特に学習者の課題を発見して適切な処方を施す手腕は高く評価されています。
理論編を執筆した黒坂洋介は、音楽家のための呼吸法「ウォーター&ブレス」主宰。トランペット奏者メイナード・ファーガソンとの出会いをきっかけに楽器奏者向けの呼吸法を研究。ヨーガ、中国伝統気功、運動科学などを十数年にわたり学ぶ。東京、神奈川、三重、大阪、富山、鹿児島、名古屋、広島など各地の中学、高校、大学、吹奏楽連盟、ビッグバンドなどで呼吸法指導を行なっています。
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FLEX TONGUE BUILD (English version)
Masashi Sugiyama's Flex Tongue Build
Work on one exercise for two weeks. Whether or not you can play it smoothly, go on to the next exercise after two weeks of practice. Add an exercise every two weeks. When you play the highest note, "kick" the air strongly pronouncing the sound "Eee" When you play the lowest note, the tongue should be placed as you pronounce "Aww" Keep on repeating the exercises without anxiety, until you get the sense of tongue. You will be able to play the instrument more easily than you expect. As you continue practicing, you will feel that the tongue improves steadily. Be patient and don't give up. After practicing repeatedly, you will certainly be able to reach your goal.
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Masashi Sugiyama
Going to the USA for the first time in 1979, Masashi Sugiyama studied trumpet under Dr. Claude Gordon, a trumpet virtuoso and well-known brass educator. Sugiyama continued his study participating in Claude Gordon International Brass Workshop (1978-1995) until Dr. Gordon passed away in 1996. Appointed as the only Japanese official staff of the workshop in 1983, he started coaching the participants. Sugiyama has many achievements as a brass educator, building on his induction by Dr. Gordon into the secrets of success. From school bands to professional players, he is praised as an acknowledged expert on finding each learner's problem quickly and giving proper advice. As a lecturer of high note course "Tongue Magic" he is eager to teach proper brass playing around Japan. Besides that, he is the leader and lead trumpeter of the big band "Serendipity 18" As a supervisor of high school concert bands, he gives not only private lessons for each student but also directions to each school band. Also he gives directions to several amateur big bands. In November 2000, he translated and published Claude Gordon's Brass Playing No Harder Than Deep Breathing into Japanese. Subsequent brass playing study books include Flex Tongue Build, High Air Build, Tongue for Lead Trumpet/Trombone, Natural Embouchure in 52 Weeks, Super Long Tone, Smooth Tonguing, NOW! - Words by Claude Gordon, ABC Book for High Notes, The Most Comprehensible Brass Training for Teens etc.
ハイ・エア・ビルド 〜音域5オクターブの開発〜
著:杉山 正
杉山正は、伝説的ブラスエデュケーターとして名高いクラウド・ゴードン博士に師事し、アメリカで17年間にわたって金管演奏および指導法を学びました。日本へ帰国後は、プロから初心者まで数多くの奏者を指導してきた金管教育のエキスパートです。その指導は合理的、具体的、かつ実践的。特に学習者の課題を発見して適切な処方を施す手腕は高く評価されています。
理論編を執筆した黒坂洋介は、音楽家のための呼吸法「ウォーター&ブレス」主宰。トランペット奏者メイナード・ファーガソンとの出会いをきっかけに楽器奏者向けの呼吸法を研究。ヨーガ、中国伝統気功、運動科学などを十数年にわたり学ぶ。東京、神奈川、三重、大阪、富山、鹿児島、名古屋、広島など各地の中学、高校、大学、吹奏楽連盟、ビッグバンドなどで呼吸法指導を行なっています。
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スムーズタンギング 〜音程・音量・音色・アーティキュレーションの開発〜
著:杉山正
金管奏者を対象とした苦手意識についてのあるアンケート調査によると、女性の苦手トップ3は「1.スタミナ」「2.タンギング」「3.音量」、男性の苦手トップ3は「1.音色」「2.音程」「3.タンギング」 でした。男女ともタンギングが苦手の上位に入っているのは興味深い現象です。
金管楽器を演奏する上で、タング(舌)は少なくとも四つの仕事をしていると考えられます。すなわち「音程」「音量」「音色」「アーティキュレーション」のコントロールです。 タングはエアのスピード、ボリューム、流れ方、切り方などを調整するべく、あるときは力強く、またあるときは微妙に操作される必要があります。
本書はこの複雑かつ豊かなタングコントロールに焦点をしぼったエクササイズ集です。「シラブルを使う」「エアとあわせる」「Kタングを練習する」「スラーと組み合わせる」など、これまであまり発表されてこなかったアイデアが満載。
シングルタンギング、Kタンギング、ダブルタンギング、タンギングとスラーの複合など、ひとつのフレーズに対して何種ものパターンで練習することで、アーティキュレーションを徹底的に洗練していきます。
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ナチュラルアンブシュア52週間 〜金管初心者のためのシステムエクササイズ〜
著:杉山正
本書は1年間(52週間)かけて金管演奏の基本技術を じっくり育てるためのエクササイズ集です。 初奏者(初めて金管楽器を手にする人)、 再奏者(長期のブランクを経て楽器を再開する人)、改奏者(アンブシュアチェンジに取り組む人)、迷奏者(壁につきあたって悩んでいる人)を対象として、基礎の基礎から奏法を構築あるいは再構築するための基本テキストとなります。
また、それらの人を指導する立場にある教育者にとっては、すぐに使えるカリキュラムとしてご活用いただけます。
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スーパーロングトーン 〜伝統的金管練習のシステマティックアプローチ〜
著者:杉山正
デューク・エリントン楽団で活躍したキャット・アンダーソンという名トランペット奏者がいます。彼が行なっていたロングトーンは中低音をピアニッシモで吹き伸ばし、これを20分間くり返すことだったといいます。アンダーソンが疲れ知らずのハイノートヒッターだったことから、彼のロングトーンにはたくさんのヒントがあるはず。
この観点に立って、ロングトーンの持つ危険を回避しながら効果をあげる練習法として考案されたのがこの教則本です。題して「スーパーロングトーン」。通常のロングトーンを超えたロングトーンであることをめざした内容です。本書がすべての金管奏者のお役に立つことを願っています。
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<TLT リードトランペットのための特別トレーニング>
金管演奏の基本はタング(舌)とエア(呼吸)。本書は高音域での演奏を求められるリード・主席トランペット奏者を対象とした、タング開発の特別強化プログラムです。
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<TLT リードトロンボーンのための特別トレーニング>
金管演奏の基本はタング(舌)とエア(呼吸)。本書は高音域での演奏を求められるリード・主席トロンボーン奏者を対象とした、タング開発の特別強化プログラムです。
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杉山正の金管問答〜みんな悩んで上手になった〜
著:杉山正
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金管楽器を学ぶ道のりにはいくつもの難所が待ち構えています。練習を続けるうちに、何度も行き詰まることがあると思います。みなさんの先輩たちもたくさんの悩みを抱えていました。
本書に集められた質疑応答は、著者のもとへ実際に寄せられた質問と、それらに対する著者からの回答を、一般の人が読んでも参考になる形で編集したものです。頭で考えた「想定問答集」ではなく、本物の質疑応答を脚色せずに掲載しています。本書が同じ疑問やスランプで苦しむ人たちを救う助けとなれば幸いです。
【目次】
質疑応答は宝の山
タング
アーティキュレーション
エア
ペダルトーン
ハイノート
スタミナ
リップ
音色・音量・音程
練習メニュー
歯・顎・指
道具
トランペット以外の楽器
ハイノートマスター〜伝説のバーチュオーソに学ぶ〜
著:杉山正
従来のアルペジオを使った音域拡大練習とは異なるアプローチによる金管楽器のハイノート開発法。5オクターブの音域を楽々と吹きこなした伝説のバーチュオーソたちに学び、18種類のメロディックなフレーズをシラブルと多様なタンギングの組み合わせでトレーニングする。これまでよりさらに高い次元を目指す人のために書かれた秘伝のエクササイズ集。
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【電子書籍登場!】
KINDLE版「10代のためのもっともわかりやすい金管上達法」
金管の基本を身に付けるための教則本。「ロングトーン
下降」「ロングトーン上昇」「タンギング」「フレキシ
ビリティ」「フィンガリング」「シラブル」「ペダル」
「アルペジオ」「レンジ」など多様なエクササイズがバ
ランスよく配置されています。
金管演奏の基本理論もくわしく解説。初心者・中級者は
もちろん、広く若年層の日々の基礎練習に最適です。
※四分冊版「ハイノート入門〜ダブルハイCへのステップ・バイ・ステップ〜」を改題して電子化。内容が重複していますので購入の際はご注意ください。
***(セミナーレポートより抜粋)***
LESSON 1で使われる音域は、
最高音:ミドルG(コンサートF)
最低音:ペダルC(コンサートBb)
という中低音から超低音までのレンジです。ところが内
容はバラエティに富んでいて、九種類のエクササイズが
次々と紹介されます。その内容は以下の通り。
1.ロングトーン下降
2.ロングトーン上昇
3.シングルタンギング・コンビネーション
4.フレキシビリティ
5.フィンガリング・ルーティーン
6.シラブル
7.ペダルルーティーン(エアパワーエクササイズ)
8.アルペジオ
9.レンジスタディー
金管セミナーでありながら、次々と舞台転換がくり返さ
れるエンタテイメントショーを見るような鮮やかさ。知
的刺激に満ちた4時間になったと思います。
金管練習の基本をバランスよく効率的に学べる内容でし
た。もともと本書は、一冊だけでいろんなスキルを高め
ていけるテキストを書いてくださいと、私(黒坂)が杉
山先生にお願いしてできあがったものです。
しかし実際にそれを使ってセミナーをやってみると、当
初意図していたよりもずっと奥深く興味深いものになっ
ていました。お薦めの講習会です。
NOW! わが師クラウド・ゴードンの言葉
編:杉山 正【ペーパーバック版】
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青年マサシと旅するアメリカ
金管楽器習得には長い時間がかかります。調子のい
いときばかりではありません。道に迷うこともあり
ます。そんなときは「道しるべ」が必要です。
本書「NOW!」は、26歳で単身アメリカへ渡りクラ
ウド・ゴードンの門を叩いた杉山正が、師から投げ
かけられた言葉の数々を記録したもの。
それは時にきびしく、時にユーモラスに、弟子を教
え導く熱き教育者の力強いメッセージです。愛情あ
ふれる師弟間のドラマを追体験するうちに、私たち
も青年マサシと一緒にカリフォルニアでゴードンの
指導を受けている錯覚にとらわれます。
進むべき道を見失ったときにルートを教えてくれる
道しるべとして、くじけそうな気持ちを支えてくれ
る杖として、すべての金管奏者に捧げたい一冊。
何も足すな、何も引くな。
これはゴードン自身の言葉ではなく、高弟のカール・
リーチのものですが、私の心に残っている言葉のひ
とつなので紹介したいと思います。
ゴードンに師事し始めてから、すぐに演奏に効果を
感じ始めた私ですが自分がまだ足りていないと思う
ところがあったので、ゴードンから与えられた処方
箋に、あれを足したり、これを足してみたりと自分
なりにくふうして練習していました。ある時、高弟
のカール・リーチが私が練習しているところにやっ
て来て、「何をしているんだ?」と聞きました。
私は得意げに、「この新しいフレキシビリティは自
分の足りない部分を補ってくれるので、加えてやっ
てます」と伝えると、彼はすぐさま 「NO---!」、そ
してあきれ顔でこう続けました。「ゴードンの処方
箋に何も足しちゃいけない、そして何も引いてはい
けない。そんなことしていたら、けっして上達しな
い」。
その言葉はクラーク〜ゴードンと伝わってきた練習
方法に理解、リスペクト感が足りていなかったと気
がつかされた尊い言葉でした。
当時、もしこの私のアホな行動をゴードンが見たら、
烈火のごとく怒ったに違いありません。
(NOW! わが師クラウド・ゴードンの言葉より)
【ガイド】教則本の選び方
著:杉山正
これまでに出版されている教則本の特徴をまとめま
した。お選びいただくときの参考になれば幸いです。
呼吸を変えれば音楽は変わる! 〜重力と筋骨の関係を改善し合奏に生かすブレスエクササイズ〜
著:黒坂洋介
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英語版『Change Your Breath to Change Your Sound!』
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バジル・クリッツァー
吹奏楽デモクラシー_八賢人との対談
著:バジル・クリッツァー
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本書は、電子書籍シリーズ「吹奏楽デモクラシー」をまとめたものである。
電子書籍シリーズの「吹奏楽デモクラシー」は2020年コロナ禍の初期に制作に着手したもので、吹奏楽の分野に関係した指導者や演奏家との対談とエッセイにより構成されている。
このシリーズを「吹奏楽デモクラシー」と命名した理由については、シリーズ開始当初に書いたものがあり、それはp4からの前書きに掲載している。
それからシリーズ8作、二年の時を経て、このタイトルはわたしの価値観と少しズレていることを自覚するに至った。
わたしが吹奏楽、より正確に言えば日本の学校吹奏楽を中心とする音楽教育を受けた人々、いまも受けている人々、いまその教育を行う側の人々、更には吹奏楽に限らず音楽大学で学ぶ人々、音楽大学で教える人々に届けたいメッセージの核心は「デモクラシー=民主主義」ではなく『個人主義』にこそある。
チャーチルによる、よく知られた名言に
『民主主義は最悪の政治形態といわれてきた。
他に試みられたあらゆる形態を除けば』
というものがある。
民主主義は政治形態であり、現状一番マシかもしれないもので、様々な欠陥があり、歴史の中で形を変えるものであろう。
そしてその民主主義が何においてマシなのかといえば、それはまさに個人を侵害する全体主義の抑止をするうえにおいて、ということだ。
尊重されなばならない事は、個人の自由・自主・自律・責任であり、警戒し排撃しなければいけないものがそれらを侵害する全体主義である。
民主主義という形態においても、個人の侵害と全体主義への傾斜は起こる。それを防いだり軌道修正を図るには、個人主義の価値観と哲学の啓蒙が必要である。
本書は、全体主義への批判の書である。学校吹奏楽や日本に対する批判ではなく、学校吹奏楽や日本の中にある全体主義への批判である。
その批判の方法は、音楽演奏とそのための練習における個人の自己実現の方法と軌跡、そして吹奏楽部指導を通じた吹奏楽部員の個人々々の自己実現の後押しの可能性を探ることに拠る。
全体主義のカタルシスに酔うてはならない。それは、教育者が生徒を精神的、知的に殺すことを美化している。
全体主義から受けた傷を、膿ませたまま放置してはならない。それはあなたを蝕み続ける。あなたはあなたの個人主義を取り戻さなければならない。
本書がそのきっかけとなることを祈る。
吹奏楽指導者が心がけたい9つのこと
著:バジル・クリッツァー
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ホルン奏者、アレクサンダー・テクニーク講師として多くの奏者や楽団を指導してきた著者は、これまで当たり前のように教えられていたことに疑問を感じます。それらの無理や理不尽を克服するためのノウハウを、「指導・演奏・身体」の三部構成でわかりやすく解説。
守山光三 (東京藝術大学名誉教授・ホルン奏者)、雲井雅人(サックス奏者・国立音楽大学・尚美学園大学講師)、甲藤さち(東京交響楽団フルート奏者)、福見吉朗(トロンボーン奏者・吹奏楽指導者)の各氏が熱く推薦する、吹奏楽指導者必携の一冊。
管楽器がうまくなるメンタルガイドブック
6つのステップと3つのエネルギー
〜なぜ長所に注目するとぐんぐん伸びるのか〜
著:バジル・クリッツァー
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ホルン奏者、アレクサンダー・テクニーク講師として多くの奏者や楽団を指導してきた著者による上達論。「上達するために知っておきたい変化の構造」「練習の組み立て方」「劣等感を克服するヒント」「本番で自分の全てを出す方法」などきめ細かな考察とユニークな提言。
著者本人があがり症で苦しみ、それを克服した体験談をまじえ、高度な内容がわかりやすく解説されています。欠点を直すのではなく長所を伸ばす方法がなぜ効果的なのか、アレクサンダー・テクニーク的視点からメンタルを見直すことで多くの気付きが得られるお薦めの一冊。
徹底自己肯定楽器練習法
〜幸せな音楽生活が始まる新しいアイデア〜
著:バジル・クリッツァー
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自己肯定やポジティブ思考に対しては、根強い批判があります。「自分を甘やかしていては上達は望めない」というものから「いつも前向きでなんかいられないから無理しなくていいんだよ」というものまで。
しかし著者は高らかに宣言します。「徹底した自己肯定こそが、上達するもっとも強力な方法だ」と。著者自身が苦悩や挫折から抜けだした体験を生々しく紹介しながら、自己肯定を徹底するための多様なアイデアを提示。実践的なアドバイス満載の一冊です。
風に唄えば~ホルンの練習法~
ナイジェル・ダウニング (著)、バジル・クリッツァー (翻訳)
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楽器の演奏技術、または演奏のためのなんらかの技術を学んでいるひとたちは、2つのタイプに分類することができます。「本能的にできてしまうひとたち」と「きちんと学んでいく必要のあるひとたち」です。
当然、その間にはグラデーションがありますが、これがこの議論の基本的な出発点となります。どんなことであれなんらかの問題を解決しようとしているとき、選択肢がひとつだけでなく複数あると便利でしょう。
プランAとプランB、さらにはプランCくらいまであるとよいですね。この三つの選択肢をそれぞれ説明することを通じて、建設的な分析こそがいかに実は「自然な奏法」につながり得るかを示します。
プランA:Singing on the Wind、プランB:音程と筋肉の記憶を関連させる、プランC:一音一音のメンタルイメージを確立する。
プランAは、もっとも「自然な」演奏法であると見ることができます。それに対し、プランBとCは、わたしたちがどのようにホルンを演奏しているかをより良く理解するための手段であると見るべきです。どちらも、プランAで行うという目的のための手段なのです。
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